Mgr. Nicol Rubá Vošmíková RUBART

Mgr. Nicol Rubá Vošmíková RUBART é uma escultora profissional e criadora de instalações objetuais.

Reconhecida pelo Ministério da Cultura da República Checa, detentora do «Attestato di Merito Premio Artista d’Europa», três vezes finalista do prestigiado Curatone.art de Berlim e inovadora de uma técnica artística própria com proteção por blockchain e NFT.

No seu sólido percurso como curadora, destacam-se a seleção para os museus MUST e MAXXI, bem como a atividade expositiva na República Checa, em Berlim, em Veneza e no Canadá. Ao longo de seis meses de carreira profissional, o seu trabalho foi validado por mais de vinte catálogos com ISSN/ISBN.

Cria obras escultóricas a partir da tela e instalações objetuais imersivas, que oscilam livremente entre a pintura, a escultura e a intervenção espacial.

Através de escalas, temporalidades e paradoxos, explora a forma como o espaço transforma a perceção humana e a orientação corporal antes de esta ser interpretada conscientemente.

A sua prática centra-se nas condições que dão origem ao estado de admiração, na forma como o corpo reage antes da linguagem, até que ponto a perceção é influenciada pela denominação subsequente e como o perigo percebido se transforma numa sensação de segurança.

O corpo adapta-se ao objeto, tal como o objeto se adapta ao espaço.

Interessa-se pelo impacto fenomenológico do objeto através da perceção pré-semântica, da perceção incorporada e da presença espacial. As suas instalações adiam deliberadamente a identificação consciente e criam situações percetivas que envolvem o espectador a nível cognitivo, físico e emocional, ainda antes do surgimento da interpretação.

Os objetos funcionam como elementos espaciais autónomos que influenciam a configuração espacial, a acústica, a orientação corporal, a regulação afetiva e a experiência percetiva do espectador. Através da dissonância percetiva e da consonância somática, criam uma relação entre o objeto, o espaço e o espectador, que surge antes do reconhecimento consciente e molda uma reação corporal pré-semântica.

Cada obra é única na sua escala, nos seus efeitos e na sua linguagem. Algumas falam através do desafio às leis físicas, outras realçam a história através de um espectro de cores em constante mudança. No entanto, partilham uma base comum no material, na ideia e na técnica Saphea Phenomenal Spatial™️.

No cerne da sua prática estão os princípios da alavanca, da gravidade e do equilíbrio da massa no espaço, algumas das leis mais antigas com que o ser humano descreveu a organização do mundo. A autora não cita estes princípios como uma referência histórica, mas sim dá-lhes vida de forma ativa no momento presente, fora do tempo da sua origem. É assim que surge «The Shape of Time». A mitologia não funciona aqui como conteúdo narrativo, mas sim como operador estrutural. A mesma regra de continuidade que, na cosmologia babilónica, transforma o caos em ordem, rege simultaneamente o comportamento físico do material e a continuidade do seu método de criação ao longo do tempo. A ordem cosmológica, física e artística não reside, assim, numa mera analogia, mas partilha uma e a mesma lei.

A sua técnica traz inovação sob a forma de um paradoxo de negação ótica da gravidade: uma fossilização de dois metros em tela pode ser pendurada num único ponto de fixação/prego, sendo que algumas são até híbridas.

Os objetos são resistentes, adequados também para espectadores com deficiência visual; alguns são inquebráveis, outros híbridos.

Cada obra é inimitável.

Não cria obras independentes, mas sim ambientes nos quais o objeto, o espaço e o espectador se tornam interdependentes. A obra só fica concluída com a presença física do espectador.

O processo de criação surge de uma correlação absoluta entre o estado de plena presença e a manipulação física do material. É intuitivo, mas assenta num princípio ritualístico repetitivo. Não se baseia em procedimentos pré-estabelecidos nem numa metodologia documentada, mas sim em mais de doze anos de experiência técnica, que permitem abordar cada nova obra de forma experimental, sem um quadro rígido e controlado.

A forma visual só surge no momento em que a integridade estrutural do objeto é resolvida.

As obras surgem como objetos monolíticos de qualidade arquivística, protegidos contra a radiação UV e destinados a instalações de longa duração e a exposições em museus. A ativação pela luz após o anoitecer revela uma nova camada percetiva da obra e transforma a forma como esta é percebida no espaço.