Mgr. Nicol Rubá Vošmíková RUBART

Mgr. Nicol Rubá Vošmíková RUBART es una escultora profesional y creadora de instalaciones objetuales.

Reconocida por el Ministerio de Cultura de la República Checa, galardonada con el Attestato di Merito Premio Artista d’Europa, tres veces finalista del prestigioso Curatone.art de Berlín e innovadora de su propia técnica artística con protección mediante blockchain y NFT.

En su sólida trayectoria como comisaria destacan las selecciones para los museos MUST y MAXXI, así como su actividad expositiva en toda la República Checa, Berlín, Venecia y Canadá. En seis meses de carrera profesional, su trabajo ha sido recogido en más de veinte catálogos con ISSN/ISBN.

Crea obras escultóricas a partir del lienzo e instalaciones objetuales inmersivas que se mueven libremente entre la pintura, la escultura y la intervención espacial.

A través de las escalas, las temporalidades y las paradojas, explora cómo el espacio transforma la percepción humana y la orientación corporal antes de que se interprete conscientemente.

Su práctica se centra en las condiciones que dan lugar al estado de asombro, en cómo reacciona el cuerpo antes que el lenguaje, en qué medida la percepción se ve influida por la denominación posterior y en cómo el peligro percibido se transforma en una sensación de seguridad.

El cuerpo se adapta al objeto del mismo modo que el objeto se adapta al espacio.

Le interesa el impacto fenomenológico del objeto a través de la percepción presemántica, la percepción encarnada y la presencia espacial. Sus instalaciones retrasan deliberadamente la identificación consciente y crean situaciones perceptivas que involucran al espectador a nivel cognitivo, físico y emocional incluso antes de que surja la interpretación.

Los objetos funcionan como elementos espaciales autónomos que influyen en la configuración espacial, la acústica, la orientación corporal, la regulación afectiva y la experiencia perceptiva del espectador. A través de la disonancia perceptiva y la consonancia somática, crean una relación entre el objeto, el espacio y el espectador que surge antes del reconocimiento consciente y da forma a una reacción corporal presemántica.

Cada obra es única por su escala, sus efectos y su lenguaje. Algunas se expresan desafiando las leyes físicas; otras resaltan la historia mediante un espectro cromático cambiante. Sin embargo, todas comparten una base común en el material, la idea y la técnica de Saphea Phenomenal Spatial™️.

En el núcleo de su práctica se encuentran los principios de la palanca, la gravedad y el equilibrio de la masa en el espacio, algunas de las leyes más antiguas con las que el ser humano ha descrito la organización del mundo. La autora no cita estos principios como una referencia histórica, sino que los revive activamente en el momento presente, más allá del tiempo de su origen. Así surge The Shape of Time. La mitología no actúa aquí como contenido narrativo, sino como operador estructural. La misma regla de continuidad que, en la cosmología babilónica, transforma el caos en orden, rige al mismo tiempo el comportamiento físico del material y la continuidad de su método de creación a lo largo del tiempo. El orden cosmológico, físico y artístico no se basa, por tanto, en una mera analogía, sino que comparten una misma ley.

Su técnica aporta una innovación en forma de paradoja: la negación óptica de la gravedad de un fósil de dos metros de lienzo que puede colgarse de un único punto de sujeción o clavo; algunos son incluso híbridos.

Los objetos son resistentes, aptos incluso para espectadores con discapacidad visual; algunos son irrompibles, otros híbridos.

Cada obra es inimitable.

No crea obras independientes, sino entornos en los que el objeto, el espacio y el espectador se vuelven interdependientes. La obra no se completa hasta que el espectador está físicamente presente.

El proceso creativo surge de una correlación absoluta entre el estado de plena presencia y la manipulación física del material. Es intuitivo, aunque se basa en un principio ritual repetitivo. No parte de procedimientos preestablecidos ni de una metodología documentada, sino de más de doce años de experiencia técnica, lo que le permite abordar cada nueva obra con un enfoque experimental, sin un marco fijo y controlado.

La forma visual no surge hasta el momento en que se resuelve la integridad estructural del objeto.

Las obras se crean como objetos monolíticos de calidad de archivo, protegidos contra la radiación UV y destinados a instalaciones a largo plazo, incluso en museos. La activación mediante luz al caer la noche abre otra capa perceptiva de la obra y transforma la forma en que se percibe espacialmente.